Francis Alÿs en la abadía.

La exposicion Fabiola de Francis Alÿs, abierta actualmente en la abadia de Santo Domingo de Silos en la provincia de Burgos(28.10.09), se situa en un territorio fronterizo o, mejor, en la borrosa encrucijada en la que se cruzan la autoría, el original, la copia, la serie, el artista, el coleccionista e inclusive el falsificador. Su descripción, sin embargo, es simple: se trata de la exposición en una de las salas del claustro de esta esplendida abadía medieval de mas de trescientas obras - la mayoria pinturas - que son otras tantas versiones de un mismo original: el retrato de Fabiola, una santa romana del siglo VI, pintado en 1885 por el pintor francés Jean-Jacques Henner. Pero esta aparente simpleza pronto se revela cargada - como diría Marx a propósito de la mercancia - de ´sutilezas teológicas´. La primera queda en evidencia cuando se pregunta por el estatuto de esas obras. ¿ Son meras copias o son versiones que, como tales, pueden valer por si mismas, como valen de hecho las muchisimas versiones que los pintores incluidos en el canon clásico han hecho de Adan y Eva o de Cristo y que son reconocidas unanimemente como auténticas obras de arte? Cierto: entre el Cristo de Velázquez y el de Dali median diferencias formales que son mucho mas rotundas que las que median entre cada uno de las obras reunidas por Francis Alÿs durante años de buscarlas en tiendas de viejo, mercadillos, tenderetes callejeros o ventas de jardin a lo largo y ancho del mundo. Pero esta comparacion no anula el hecho de que entre cada una de estas últimas existen diferencias significativas,tanto en términos técnicos como formales,que si no tomamos en cuenta es porque pensamos que no merece la pena el análisis detallado y menos la valoracion de las
diferencias dadas entre obras a las que no les reconocemos el estatuto de obras de arte. ¿ Se lo reconoceremos ahora que, gracias al gesto de Alÿs, esas piezas mas anómicas que anónimas han ingresado en el circulo aureático del museo? ¿ Pero podremos hacerlo? ¿Podremos simplemente ocuparnos de cada una de ellas, precisamente ahora cuando la especificidad de cada una de ellas ha quedado neutralizada por su absorcion por el proyecto Fabiola de Alÿs,
que vale como obra de arte por su totalidad y no por ninguna de sus partes o componentes considerados aisladamente? Si antes estabamos en la disyuntiva entre la copia y la version y la consideracion de los motivos que la explican ahora nos encontramos con la posibilidad real de que dicha disyuntiva haya sido desplazada por la diferencia existente entre el conjunto de la serie y cada uno de sus elementos. Un desplazamiento que tambien obra en el orden de la autoria, porque por la decisión de Alÿs la multitud de interpretes distintos de la partitura visual compuesta inicialmente por Henner ha quedado completamente sumida en el anonimato. Y la decisíon de Alÿs tampoco es todo lo simple que podría parecer porque, aunque él mismo lo niegue explicitamente, se parece como una gota de agua a otra a la del coleccionista, que no sólo consuma el despojo del objeto de su uso - tal como subrayó Walter Benjamin - sino que lo reduce a la condicion exclusiva de objeto de su propiedad. El coleccionista, en realidad, es el poeta de la propiedad.

Los encuentros de Pamplona.en el Reina.

Esta mañana (27.10.09) el auditorio Sabattini del Reina Sofía estuvo tan lleno como solia estarlo durante las ruedas de prensa convocadas por Manolo Borja en su primera etapa al frente de la direccion del museo. Sólo que esta vez contribuyeron al lleno total, tanto o mas que los críticos de arte y los periodistas, los artistas que participaron activamente en esos encuentros de Pamplona celebrados en el verano de 1972 y a los cuales se dedica la expo inaugurada esta misma tarde. Obviamente no estaban, no podian estar todos, porque en aquella oportunidad fueron mas de 300 y porque algunos de los más célebres, como John Cage o Jiri Kolar, ya estan desgraciadamente muertos. Pero entre los presentes en el auditorio estaban el pintor José Luis Alexanco y el compositor Luis de Pablo, quienes, aparte de idear esos encuentros, fueron los esforzados organizadores de los mismos. De hecho Luis de Pablo, en respuesta a la pregunta del público, ofreció una explicacion de porqué y cómo se hicieron unos encuentros que hoy ya son legendarios, que resultó mas vívida y emocionante que las ofrecidas por José Diaz Cuyas - el curador de la exposición - y por Manolo Borja. Estos últimos cumplieron ciertamente con la tarea de informar sobre las características de ese evento y con aportar algunas claves de interpretacion del mismo, pero no lograron responder cabalmente a uno de los jovenes asistentes que preguntó perplejo cómo habia sido posible que un evento dedicado al arte experimental y por lo tanto al pleno despliegue de la libertad artistica se realizara bajo la dictadura franquista. Díaz Cuyas habló de que el franquismo no habia sido un bloque homogéneo y que para esas fechas, además, estaba tocado de muerte y se advertian en el mismo los signos de una descomposicion que ya era irremediable. Podria haber añadido que la politica del franquismo de congraciarse con la vanguardia artística se remontaba a los encuentros de Altamira celebrados a principios de los 50 bajo los auspicios de un jovencisimo Manuel Fraga Iribarne, y habia continuado con el eficaz apoyo del todopoderoso comisario Luis Gonzalez Robles a la generación del informalismo y a la promocion internacional de Oteyza y de Chillida. Y habria podido mencionar, igualmente, el dato muy revelador de que una de las últimas actividades públicas del Caudillo de España por la gracia de Dios habia sido la de inaugurar en 1975 la flamante sede del Museo Español de Arte Contemporñaeo, diseñada por José Luis Fernández del Almo, arquitecto moderno donde los haya. Los encuentros de Pamplona no fueron en realidad una ruptura sino apenas un punto de inflexión en una estrategia cultural de larga duración.

Resistir en Israel

La resistencia a las politicas del Estado de Israel no solo la oponen los palestinos, que son sus principales víctimas. Tambien la agencian los judios que las consideran inadmisibles y reñidas con las mejores tradiciones de ese antiquisimo pueblo. Eso es por lo menos lo que quedó claro al final de la conferencia que ofreció ayer en el Reina Sofia (26.10.09) Sergio Edelsztein, un judio nacido en la Argentina, director de un centro de arte postcontemporáneo que ofrece visibilidad a los individuos y a los colectivos que utilizan las cámaras de fotografia y vídeo tanto para documentar los abusos y atropellos que diariamente comete el ejercito israeli contra los palestinos como para crear sobre este interminable conflicto obras mas elípticas, que cifran su eficacia impugnadora en el uso imaginativo del humor, la ironía e inclusive el sarcasmo. Al primer capítulo pertenecen videos dedicados a la resistencia de los habitantes de una region palestina a la construccion del muro destinado a encerrar a los palestinos en el ghetto mas grande de que se tenga memoria. O a mostrar los grados de hostilidad y el nivel de agresión ejercido por los colonos contra sus vecinos palestinos en una calle de la ciudad de Hebrón. Al segundo capítulo, videos como el del realizador Raafat Hataab, que compone una melancólica elegia del cultivo de olivos, que resulta tan estremecedora como hilarante el video firmado entre otros por Yossi Aita que escenifica en clave de parodia la hipotetica construccion de un estado arabe- israelí en Palestina.

Toni Negri en el Reina Sofía.

Las previsiones se cumplieron y ya desde las 19.30 se habia formado una larga fila para entrar a escuchar al filósofo Antonio Negri. El otrora teorico del poder operario, el prisionero politico, el exiliado y el autor - junto con Michael Hardt - de ese sorprendente best seller que es Imperio, tiene una extraordinaria capacidad de convocatoria en el mundo del arte, tal y como ayer mismo fue confirmado por el lleno hasta las banderas del viejo y entrañable auditorio del edificio Sabattini del Reina Sofía. Pero el mérito no fue solo suyo sino tambien de Berta Sichel, que con este nuevo ciclo de proyecciones de cine y de conferencias confirma una trayectoria de mas de siete años de programciones en las que habitualmente se han aunado la calidad de la oferta con la respuesta multitudinaria del publico. Y empleo deliberadamente el calificativo de ´multitudinario ´ para el público de ayer porque el mismo fue convocado por un programa que ya en su mismo título incorpora ese concepto decisivo: ´Multitud singular ´. Y tambien lo empleo porque si algo distingue a Negri en la escena de la filosofia europea de las últimas decadas es justamente su dedicacion a re pensar el concepto de multitud para liberarlo del corset de las ideas recibidas y convertirlo en la categoria politica básica de un pensamiento político que pretende a su turno liberar a los movimientos de resistencia al capitalismo y al Estado de los conceptos clasicos de pueblo y de clase. La sesion de ayer, sin embargo, no fue- para disgusto de Fernando Castro Flórez- de exposicion teórica sistemática sino de comentarios y de diálogos. Los comentarios de Negri a la pelicula The Cell. Antonio Negri and the prision, que documenta la larga entrevista que la realizadora Ángela Melitopoulos le hizo a Negri cuando él ingresó de nuevo a prisión en Roma al regreso de un exilio de 14 años en Francia. ( De la misma se proyectaron dos fragmentos ). Y las preguntas fueron de Ángela a Negri y despues del público a Negri. Al final retuve tres ideas de las expuestas por el filosofo italiano: la primera, la importancia que concede a la alegria, a la que considera aún mas importante que el placer tan celebrado por estos tiempos hedonistas; la segunda, que la imaginacion debe cumplir ahora la tarea de imaginar mundos posibles, mundos implícitos en este mundo aunque inhibidos por él; y la tercera, que habría que invertir la formula gramsciana que recomienda el pesimismo de la inteligencia y el optimismo de la voluntad reemplazándola por la del optimismo de la inteligencia y el pesimismo de la voluntad.
Vaya por Dios.

Sub realismo criollo

O Pop latino. Estos son los términos elegidos por el artista argentino Marco López para intentar definir no tanto lo que él hace sino la realidad que se expone ante la lente de su cámara. De alli que si sus fotografías resultan cursis, chillonas, barrocas, sobrecargadas es simplemente porque él enfatiza deliberadamente lo que tiene delante de su cámara. Esta verdad es evidente en Esquina roja, una foto de 20o3 que hace parte de la muestra Tristes trópicos inaugurada ayer (15.10.09) en la galería Fernando Pradilla de Madrid. Cierto, el rojo que la domina ha sido sobresaturado por López, pero su extensión por todos los rincones de esa esquina anónima de no se que calle de Buenos Aires está en el modelo, al igual que la proliferacion inaudita de anuncios y de lemas pintados a mano. A los países subdesarrollados les faltarán muchas de las cosas que tienen los supradesarrollados menos la pulsión exhibitoria, que resulta tan intensa en los unos como en los otros. Otra pieza ejemplar es Luchador-Arena México, fechada en 2008 y captada efectivamente en ese escenario que el México DF dedica a la Lucha libre, una antigua y auténtica pasión nacional. La imagén del luchador enmascarado es por lo menos tan impresionante como la del mural que adorna ese rincón de ese coliseo deportivo, pintado por el Doctor Lakra ciñiendose al estilo y los códigos visuales que rigen gran parte de la pintura anónima y popular de la América Latina. Y por los que tanta admiracion profesa el propio Marcos López, a juzgar por las fotos de excitante colorido que siempre muestra.

¿ Se venderán las pinturas de Hirst?

Todo parece indicar que no. Que el público y los coleccionistas van a seguir a pie juntillas a los criticos de arte de los principales diarios ingleses - empezando por Rachel Campbell-Johnson de The Times y terminando en Adrian Searle de The Guardian - que lo menos que han dicho de los 25 cuadros - que bajo el patético titulo de No Love Lost. Blue paintings expone ahora en la sede de la Wallace Collection de Londres - es que son ´ endebles y monocordes ´. Y no andan desencaminados: los dichosos cuadros son tan mediocres y se ven tan pobres en las salas renovadas del palacio barroco donde actualmente se exponen (16.10.10) que va a ser difícil encontrar a algún crítico capaz de defender su mas que hipotética calidad artística. Da la impresion de que Damian Hirst ha tocado definitivamente techo y que él - el autor de las mas exitosas operaciones de marketing que haya conocido la escena artistica internacional - ha fracasado intentando la última de ellas. Como el rey del célebre cuento, ha quedado al desnudo su incapacidad de hacer algo bien con sus propias manos. Y no con manos ajenas. ¿ Pero podemos estar seguros de que nadie comprará sus cuadros? Yo, la verdad, no lo estoy tanto. Hirst es tan rico y tan famoso y ha dado tantos golpes de impresionante efecto mediático, que sus cuadros pueden terminar siendo disputado por los mismos coleccionistas que se disputan las reliquias o los despojos de Elvis Presley, de Marilyn Monroe o de Michael Jackson. !Las razones del coleccionismo son insondables¡

El arte de resistir.

Multitud Singular: El arte de resistir es el titulo de un ciclo de peliculas y conferencias que se inauguró ayer (14.10.09) en el auditorio Sabatini del Museo Reina Sofia de Madrid, con una conferencia de Jonas Mekas, el artista cuyo nombre y cuya práctica artística estan solidamente asociadas a las George Maciunas, el fundador o por lo menos el catalizador indispensable de Fluxus, su atractor extraño. El auditorio estaba abarrotado y la expectativa enorme: por fin la mayoría de nosotros podriamos ver en vivo y directo e intercambiar preguntas y respuestas con una figura legendaria de un cine que para su disgusto todavía se sigue llamando experimental. Y él estaba allí, de pie, delante de nosotros con chaqueta y pantalon muy oscuros o decididamente negros como su sombrero arrugado. Erguido, jovial, irónico, humorístico: no parecía tener los años que efectivamente tiene. Ni la enorme de experiencia de vida de un lituano, víctima de la II Guerra Mundial, que fue liberado por las tropas británicas del campo de trabajos forzados donde estaba recluido y que despues de unas cuantas vueltas mas por el mundo terminó en el Nueva York de los 50, ¨ el lugar oportuno, en el momento oportuno ¨, como él mismo confeso, porque allí se estaba incubando el asombroso despliegue de una transformacion de las artes de la que aún nos beneficiamos y de la todavía celebramos su memoria.
La sesion la abrió Berta Sichel en su inconfundible portuñol, luego intervino Mekas, que saludó en castellano y presento su obra Lithuania and the Collapse of the USSR, advirtiendo que no es una pelicula sobre el colapso de la Unión Soviética sino sobre la forma como los informativos de la television americana cubrieron el periodo que media entre 1989 y 1991, cuando Lituania, junto con Estonia y Letonia, obtiene su independencia de la Unión Soviética, que se precipita entonces en el abismo de su disolución. De hecho la pelicula fue grabada con cámara de video en el salon de su casa neoyorquina por el Mekas y es tan larga su duración - 4 horas, 45 minutos - que Berta decidio proyectarla en dos sesiones, la de hoy y la de mañana. Ayer, en consecuencia, sólo vimos un fragmento de 15 minutos o asi, al final del cual las luces se encendieron de nuevo para permitir que Mekas fuera de nuevo el protagonista de un primer turno de preguntas y respuestas, que se cerro con un pase de unos cuantos episodios de un diario fílmico muy característico de la actitud que rige su trabajo. Y todavía hubo un nuevo turno de preguntas y respuestas, que como el primero fue todo en inglés, y que terminó no porque lo hubieramos querido los asistentes a este magnífico encuentro sino porque Berta nos informó que ya era la hora de cerrar el auditorio y el museo.