Miguel Trillo y el tribalismo urbano.

Ayer (15.09.09) se inauguró en las salas de exposiciones del Canal de Isabel II ´Miguel Trillo. Identidades ´, una exposicion retrospectiva de las fotografías realizadas por este fotógrafo andaluz que,en realidad, es una lectura en clave autobiografica de cómo el mundo se ha globalizado en terminos de las modas de vestir de las estrellas rockeras y las bandas y las tribus urbanas que despliegan sus chirreantes atuendos en los mas diversos escenarios de las metropolis contemporaneas. Trillo - que empezó haciendo fotografía surrealista porque la regimentacion franquista de la vida callejera y de los atuendos juveniles inhibía la práctica de la rebelión indumentaria juvenil - hizo su aprendizaje en el registro fotográfico de esta última, en el swinging London de los 60/70, donde se dieron a conocer por primera vez en Europa las tribus urbanas con modos de vestir que a la vez que identificaban a sus integrantes los distinguian claramente en la calle de las tribus adversarias o rivales. Luego de esa experiencia - para él verdaderamente iniciática - Trillo regresó a España y su recien descubierta vocación se topó con la emergencia de lo que ya figura en la historia cultural de este pais con el calificativo de ´ movida madrileña´. Algo que incluyó no solo a los pintores de la ´nueva figuracion madrileña ´y al cine primerizo de Pedro Almodovar, sino tambien a los bandas de los adolescentes y los jovenes rockeros que lo eran tanto porque formaban grupos de rock como porque eran fans y groupies de esos mismos grupos, con frecuencia efimeros. Con excepciones, claro está. Como la de Alaska, captada cuando aún era adolescente por la cámara de Trillo, y que ha prolongado su protagonismo en la escena rockera española hasta practicamente nuestros dias. La exposicion del Canal - comisariada por José Lebreros - ofrece buenas muestras del trabajo de Trillo de esa epoca centrado, al contrario del trabajo de los hermanos Pérez Minguez, mas en el fenómeno del tribalismo urbano que en el retrato de las estrellas y las personalidades que se destacaban en su seno. La parte mas actual de la exposición es, sin embargo, la dedicada a las fotografías que ha hecho Trillo en los últimos años y que muestran hasta qué punto se ha globalizado el tribalismo urbano y su apuesta por sobresalir en los escenarios metropolitanos por medio de indumentarias estridentes, que son asumidas por los participantes de esa movilizacion planetaria como una suerte de partitura comun que cada quien intenta interpretar a su aire. A su manera. En cualquier caso resulta sorprendente descubrir de un golpe de vista y gracias a las fotos incluidas en esta parte de la muestra cuán extendida y cuán compartida es esta actitud ante la moda de jovenes del mundo, desde La Habana hasta Dubai, desde Tokio y Beijing hasta Vigo o Mumbai. El mundo como se suele decir - sin que sea del todo consciente de cuanto se dice - ´ es uno pañuelo ´ . O por lo menos así nos lo muestra Trillo con su empecinado trabajo de documentalista etnográfico de la vida metropolitana.

Juan Antonio Ramirez. En memoria

Solo ayer (14.09.09) me enteré de la muerte de Juan Antonio Ramirez y fue porque alguien envió a mi electrónico la necrológica que le ha dedicado el profesor Delfín Rodriguez que cita, entre otras facetas suyas, la de poeta. El poeta, por lo menos para mi oculto, que le dedicó a Delfín, un poema hace ya mucho tiempo. Eso fue en la mañana. Y en la tarde mi encuentro con Jesús Carrillo, con quien tenía una reunión para hablar de unos proyectos que fue prologada, sin embargo, por los inevitables comentarios sobre Juan Antonio. Carrillo lamentó su muerte por lo que supone de desaparición de una figura intelectual independiente y de gran calado que, a su juicio, no se dejó seducir por los cantos de sirena de la critica de arte periodistica y que supo fundar por el contrario su autoridad no en el prestigio mediático inmediato sino en un trabajo intelectual de largo plazo y muy sólido. ´A mi me ayudó mucho- dijo. ´Yo habia regresado de concluir mis estudios en Inglaterra, no conocia a nadie y él me presento a Anna Maria Guasch y le sugirió que fuese el coordinador de los cursos de verano que ella dirigia en El Escorial. Era muy generoso. Va a ser dificil que encontremos su reemplazo,` Antes de terminar nuestra reunión, nos interrumpió una chica amiga de Carrilo y argentina por el acento, que preguntó si se le iba a hacer alguna clase de homenaje. Carrillo dijo que seguramente harían algo en la Complutense y tambien en la Universidad Autónoma, pero que él no estaba al tanto y que en cualquier lo deseable sería poderlos coordinar. La chica se despidió diciendo que por favor la mantuviera informada, porque ellos, sus discipulos, tambien querían hacer algo. Y esta mañana abro el correo y me encuentro con uno de la artista Loreto Alonso, que se ha ido a vivir y a trabajar en la Universidad de Monterrey, en el que me cuenta que se quedó esperándolo. Juan Antonio tenía el plan de viajar ayer mismo a Bogotá con el fin de participar en el ciclo de conferencias programadas por Anna Maria Guash para contextulizar la exposición sobre el Otro que actualmente se realiza en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Bogotá - habia aceptado a pesar de que ´a él no le gustaba nada eso de ir de figura ´aclara Loreto. Y tenía pensado continuar su viaje a México, donde tenía concertada una cita con Loreto en Xilitla, un pueblo situado entre el Df y Monterrey, donde se produce un ´ arte raro ´ que a él le interesaba ínvestigar. Juan Antonio fue jurado de la insólita tesis de grado de Loreto sobre la producción artistica, cuya fecunda excentricidad ciertamente cautivó tanto a Juan Antonio que la laureó. Esa fue la última vez que le vi.
Paz a su sepultura y honra a su extraordinaria labor intelectual.

La Noche en blanco del parapente.

La tarea era ciertamente ardua pero Rafael Doctor Roncero la llevó a cabo hasta el final con esa subyugante ´ levedad del ser´ que tantos éxitos le ha reportado en su fulgurante carrera. Porque de lo que se trataba esa mañana(10.09.09) no era de simplemente de presentar el programa de una nueva edición de la Noche en blanco, ante el público de altos cargos, funcionarios y contratistas del Ayuntamiento, artistas, periodistas y algún crítico de arte que abarrotaba el auditorio de las Naves del Español, situadas en el Matadero. Si sólo hubiera sido eso tan simple, Rafa habría resuelto con la gorra la papeleta, como ya ho ha hecho tantas veces ante auditorios entregados de antemano a sus arrebatadores encantos. No, el problema era tan dificil de resolver que sólo echando mano literalmente de la magia se podia resolver, porque no era otro que esa cuadratura del circulo representada por la dificultad de convencer a los madrileños que el regalo que él les ofrecia esa noche era el de ... ! invitarlos a caminar por la ciudad¡. Cierto, Rafa se cuidó de subrayar que esa noche estarian vedados los coches sin los cuales la mayoria ciudadana perdería una de sus razones de existencia y se esforzó, asi mismo, en convencernos con la ayuda de su sonrisa seductora que bastaba cambiar el tono de la iluminacion de la Gran Via y de otro número importante de calles para que estas cambiaran sin dejar de ser las mismas. Milagro de la luz, magia del escenógrafo y prestidigitador que pretende, ademas, soltar en la Plaza Mayor 200.000 globos blancos al aire cada uno con un micropoema de Benjamín Pardo - ´ Volver no es lo mismo que perderse ´, ´Escapar no significa ir a alguna parte´, por ejemplo - y convertir la plaza de la Cibeles en una gigantesca discoteca. Eso entre otros muchos prodigios. Pero la magia sólo triunfa cuando logra imponerse graciosamente a la dura realidad y esta última no esperó hasta la noche del 19 de septiembre para manifestarse en toda su rudeza como transportes imposibles, aglomeraciones axfisiantes y colas interminables para acceder a los museos, los centros de arte y las exposiciones, así como a los restaurantes y las barras de los bares igualmente abarrotados. Al dia siguiente, la Fashion´s Night Out, una ´noche en blanco´ promovida por la revista Vogue y en la que participaron mas de 150 boutiques de lujo, se saldó inesperadamente con la muerte de un joyero a quién le dio un infarto y se desplomó en una de las muchas zanjas que horadan actualmente la calle de Serrano, donde a la mañana siguiente le encontraron muerto. Las mismas zanjas que tuvieron que sortear, con evidente riesgo para sus finas pantorrillas, las chicas glamourosas que hicieron la ruta de las boutiques esa misma noche. O sea, que la invitación a caminar de noche en un Madrid cuyo centro está mas agujereado que un queso grouyere es la invitación a practicar un deporte de alto riesgo. ¡ Que la acepten los intrépidos del parapente!

El Reina Sofía y las modernidades subalternas.

Vuelvo sobre la programa de actividades y exposiciones del 209-2010, para ocuparme de otras dos exposiciones incluidas en el mismo, que remiten igualmente al ámbito de lo que califiqué en una entrada anterior de este blog (10.09.09) de ´ modernidad expandida ´y que quizá es mejor calificar de ´modernidades subalternas ´. Subalternas en un sentido indicado por Antonio Gramsci y recuperado y reelaborado fecundamente por el historiador hindú Ranajit Guha a partir de su polémica con la interpretacion que E.J. Hobsbawam había ofrecido previamente del bandolerismo y las revueltas campesinas de alcance historico. Es con este dispositivo conceptual - o por lo menos con esa orientación teórica - con la que habria que abordar el análisis de la escena cultural y politica del Potosi del siglo xiii pero tambien el de fenómenos tan proximos a nuestros dias como los movimientos vanguardistas - y por tanto indudablemente modernos - que tuvieron lugar en las artes y la arquitectura de América Latina durante los dos primeros tercios del siglo pasado. A esos movimientos, la programación del Museo Reina Sofía de Madrid dedica ´La deriva es nuestra ´, una de las exposiciones que Manolo Borja, su director, calificó de ´ programáticas ´y que estará dedicada a ´dar a conocer al público proyectos arquitectónicos utópicos, la mayoría nunca construidos, y desarrollados en su momento pensando en diferentes urbes latinoamericanas´, tal y como afirma la nota de prensa. Entre sos proyectos figuran los de Flávio de Carvalho, Lina Bo Bardi, Roberto Matta y Sergio Bernardos, asi como ´ una importante representacion de la Escuela de Arquitectura de Valparaiso y de su experiencia de Ciudad Abierta ´. La otra exposicion que se puede traer a cuento en este punto es la que reune obras del argentino León Ferrari y de la brasileña Mira Schendel que, aunque por fechas resultan mas próximos a la fractura posmodernista de la modernidad, aún están inscritos en el ámbito de esas modernidades subalternas de las que estoy hablando. Y de las que supongo que el Reina Sofia quiere que sigamos hablando.

El Reina expande la modernidad.

Esta mañana (10.09.09) Manolo Borja Villel presentó la programación del Reina Sofia para lo que él mismo llamó ´el año académico ´y lo hizo con el entusiasmo y el autoconvencimiento de siempre y en una rueda de prensa menos concurrida de lo que es habitual. La programación vuelve como era previsible sobre sus querencias: los encuentros de Pamplona, la escena artistica francesa de los 50/60, la neoyorquina de entonces y de ahora y ciertos artistas españoles que desde tiempo atrás le han atraido con fuerza: Val de Omar, Valcarcel Medina, Antonio Miralda. Y a esas querencias añade el muy ambicioso intento de releer el arte de América Latina desde un concepto igualmente reelaborado de la modernidad, que llega hasta el extremo de aceptar ´ el principio Potosí ´que es la punta del iceberg de una teoria que cuestiona las historias de la modernidad todavia al uso que sitúan el origen de la misma en la Ilustracion, en Charles Baudelaire o en el cubismo. Los defensores del principio Potosi dan por supuesto que la modernidad es inseparable del capitalismo y agregan que el capitalismo no nació con la revolucion industrial inglesa del siglo XVIII sino con la conquista de América por lo que tiene mucho sentido buscar sus episodios fundacionales no sólo en las metrópolis europeas de la época sino tambien en las colonias sin las que esas metrópolis son impensables tanto desde el punto de vista lógico como del histórico. La ciudad de Potosí - construida sobre una legendaria montaña de plata y que como subrayó Borja Villel tenía en el siglo xvii una poblacion mayor que la de Londres o Paris - es un escenario privilegiado para este tipo de investigaciones. Y no solo por su importancia económica y política sino tambien por la cultural. Potosí - así como Cuzco y Quito - dieron lugar a unas extraordinarias manifestaciones artísticas en la pintura, la escultura, la ornamentacion y la platería que Borja Villel pretende que relean y revalúen no sólo los historiadores del arte y la cultura sino ante todo los artistas. Y especificamente los artistas contemporáneos invitados expresamente por el Reina Sofia para hacerlo. La propuesta, sobre el papel, resulta muy sugerente y grávida de fecundas consecuencias, sobre todo si se la contrasta con el encorsetado ritualismo con el que suelen celebrarse oficialmente los aniversarios. En el 2010 se abre el ciclo de los bicentenarios de las independencias de las distintas republicas latinoamericanas del Imperio Español - que no era tan español , si hemos de dar credito a las tesis defendidas hace poco por Jose Maria Ridao en un articulo publicado en El país de Madrid. Ojalá la propuesta de Borja Villel contribuya a que ese rosario de aniversarios de lugar al debate histórico, politico y cultural sobre el efectivo papel de las colonias americanas en la historia de España que asuma seriamente las perspectivas teóricas abiertas desde hace mas de dos décadas por los estudios poscoloniales en el mundo anglosajon. Y que no se quede todo en retorica y festejos mayormente burocraticos.

Los colores de la Historia.

¿ Tiene colores la historia? ¿ Tiene colores el relato histórico, en cuanto tal relato y por relato distinto y distante de los acontecimientos del pasado que retiene narrándolos? La pregunta jamás se me habia ocurrido hasta que anteayer (06.09.09 ) vi los dos primeros capitulos de Apocalipsis, una serie televisiva coproducida por el National Geographic Channel y la empresa francesa CC&C, dedicada a narrar con imágenes los principales episodios que determinaron el curso de la II Guerra Mundial. Los capitulos, desde el punto de vista de su contenido histórico, no resultaron sin embargo gran cosa para alguien como yo que se ha pasado media vida leyendo libros de historia sobre esa incalculable tragedia humana escritos por americanos, británicos, franceses y soviéticos e incluso por españoles. Pero los dos capítulos representaron para mí la novedad de que todo el material emitido era en color y no en blanco y negro, como era lo habitual en las emisiones y proyecciones de documentales sobre esa (in) evitable catástrofe. Cierto, en Stalingrado o en Salvar al soldado Ryan - para citar sólo dos peliculas relativamente recientes - las imágenes eran tambien en color y no en blanco y negro pero ambas, con todo y su extraordinaria verosimilitud, son obras de la ficcion cinematográfica, reconstrucciones con actores, extras, camaras y escenarios contemporáneos de batallas ciertamente históricas cuyo registro documental siempre habiamos visto antes en blanco y negro. La verosimilitud de las imágenes de Apocalipsis aumenta extraordinariamente con respecto a las imágenes documentales originales por el simple hecho de estar en color y porque sabemos ademas que son originales aunque esos originales ya hayan sido coloreados. La impresión sensible - sumada a la certificación igualmente indudable del caracter documental de las imagenes que la causan - produce un efecto de hiperrealidad que no nos lleva sin embargo a concluir - como concluyó Jean Baudrillard a propósito de la Guerra de Irak - que la II Guerra Mundial no existió, que sólo existió o - mejor - que sólo existe el seductor simulacro que nos está ofreciendo ahora National Geographic. El subyugamiento de nuestra imaginacion y de nuestra consciencia por el poderío fascinante de las imágenes no llega nunca hasta el punto de que anulemos la intuicion o por lo menos la irremediable sospecha de que existe una realidad mas allá de las imagenes. Pero la relacion entre los colores y la historia adquiere una dimension adicional y mas pregnante cuando sabemos por boca de Sidney Suissa - responsable de contenidos de National Geographic - que sólo el 10% de las imagenes emitidas en la serie eran originalmente en color y que el resto se coloreó electrónicamente, con excepción de las imagenes entresacadas de los documentales de época de lo que sucedía en los ghettos y en los campos de exterminio de los judios europeos puestos en funcionamiento por los nazis. La Fundación Shoah no ha querido que se toquen - explica Suissa - ´ para no dar argumentos a los negacionistas ´. El argumento resulta por lo menos cuestionable cuando se piensa que los argumentos elaborados por los historiadores que niegan la existencia o la mortifera amplitud de los planes hitlerianos de lograr mediante el exterminio ´ la solución final del problema judío ´no toman en cuenta que las imágenes de la aplicacion de esos planes disponibles hasta la fecha fueran o no en blanco y negro. ¿ Entonces porqué temen portavoces de la Shoah que se coloreen las imágenes documentales de los acontecimientos históricos que ellos intentan convertir en acontecimientos exclusivamente escatologicos con su insistencia en nombrarlos como shoah o como holocausto ? ¿ Es acaso porque para ellos solo si esas imágenes se conservan en blanco y negro mantienen su estatuto de verdad única e inobjetable? Sagrada, en definitiva. Si asi fuera, estárían concediendo al mero uso del color una capacidad de aniquilamiento o volatizacion de la realidad ajena a las imágenes absolutamente extraordinario. Estarian concediendo en definitiva a la pintura - el arte por excelencia del color - los mismos poderes mágicos que - según cierta antropologia - le concedían los pintores rupestres prehistóricos que pintaban ciervos o bisontes en las paredes sus cuevas para vencerlos imaginariamente antes de poder vencerlos efectivamente con sus lanzas y sus flechas.
Por cierto, llamar ´ Apocalipsis ´ - una categoría bíblica donde las haya - a un acontecimiento plenamente histórico como es la II Guerra Mundial, ni es inocente ni carece efectivamente de consecuencias.

El empecinamiento de David Barros.

Visito en el Macuf de A Coruña (04.09.09) la exposicion Ante de ayer y pasado mañana. O lo que puede ser la pintura hoy y compruebo hasta que punto es duraderadera y consistente el empecinamiento de David Barros con la pintura. Y no lo digo sólo ni principalmente porque la exposicion sea de pintura cuando podria haber sido- como es ahora usual - de obras de las mas diversas técnicas y lenguajes. No, lo digo tambien por el libro que hace de catálogo de la misma y que es un ajuste de cuentas con las incertidumbres sobre la pintura, su estatuto y sus limites - si es que aun los tiene - que Barros intenta despejar mediante una argumentación muy notable, desplegada a lo largo de casi dos centenares de páginas y articulada en torno a asuntos y temas derivados del debate estético que ha tenido lugar a escala internacional en las dos o tres últimas décadas. De hecho la pregunta por la pintura es confrontada con cuestiones como la muerte del arte, la expansion y la implosion del espacio artístico, la promiscuidad generalizada de la imagen en la era neobarroca, la representacion de lo irrepresentable y - cómo no - el estatuto de la ilusion pictórica. Aunque, advierto, no sólo con estas las cuestiones. Seguramente hay quien tanto despliegue le puede resultar excesivo y una prueba inclusive de que la pintura está tan tocada por los nuevos medios que su supervivencia depende de las dosis de caballo que puedan suministrarle de las más arduas teorías. A mi, por el contrario, me parece una demostracion de cuán estimulante y fecunda resulta la obstinada defensa de la pintura a la que desde hace tiempo se dedica Barros. Y en cuanto a la exposicion misma, declaro mi admiración por Tel, un tríptico de Helmut Dorner, por Death by Oreos de Daniela Edburg, por Sin titulo de Jason Martin, por Neu - Rose de Christine Streuli, Cuchillo corta agua de nano 4814, por Sin titulo de José Lourenco y por Sin peso, un vídeo extraordinario de Cao Guimaraes.